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Jul 19, 2023

Ausstellungen in NYC: Wohin Sie jetzt gehen sollten

Museumsausstellungen in NYC decken ein breites Spektrum ab, von Kunst über Geschichte bis hin zur Geschichte der Stadt New York selbst. Hier finden Sie unsere Auswahl der unverzichtbaren Ausstellungen, die derzeit in Museen in ganz New York zu sehen sind.

Museumsausstellungen in NYC decken ein breites Spektrum ab, von Kunst über Geschichte bis hin zur Geschichte der Stadt New York selbst. Hier finden Sie unsere Auswahl der unverzichtbaren Ausstellungen, die derzeit in Museen in ganz New York zu sehen sind.

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Mary Mattingly, Biosphere, 2015. Mit freundlicher Genehmigung von Mary Mattingly, dem Bronx Museum of the Arts und dem Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana.

Wenn es eine Sache gibt, die New Yorker lieben, dann ist es Essen. Es essen, es entdecken, darüber reden, YouTube darüber machen, darüber schreiben … New Yorker lieben einfach alles, was mit Essen zu tun hat. Daher wird „Food in New York: Bigger Than the Plate“ im Museum of the City of New York für viele New Yorker genau das Richtige sein; Es untersucht die Lebensmittel- und Lebensmittelsysteme der Stadt, unter anderem mit zugrunde liegenden Themen wie Nachhaltigkeit und Zugang zu Lebensmitteln.

Die Ausstellung begann im Victoria and Albert Museum in London und wurde an die Essgewohnheiten der New Yorker und die Lebensmittelsysteme der Stadt angepasst. Außerdem wird untersucht, wie Künstler und Designer dabei helfen können, Lösungen für lokale und globale Lebensmittelherausforderungen zu entwickeln. Mehr als 20 Künstler hatten die Aufgabe, Lösungen für diese Herausforderungen zu finden. Die Ausstellung selbst fordert den Betrachter dazu auf, über das Netz von Zusammenhängen und Prozessen nachzudenken, die benötigt und genutzt werden, bevor jedes Restaurantessen, jedes Eis aus einem Eiswagen oder jede Tüte Chips aus einem Laden um die Ecke in Ihre Hände – und Ihren Mund – gelangen .

Schauen Sie sich in der Ausstellung „Biosphere“ von Mary Mattingly (oben) an. Es züchtet einheimische Pflanzen im Salzwasser, direkt im Museum. Entdecken Sie auch die Sub Culinary Map von Maira Kalman und Rick Meyerowitz, die einen U-Bahn-Plan von New York City aufnimmt und ihn mit Lebensmittelnamen illustriert; und ein Foto von Bodega-Regalen von Pablo Delano. Die Ausstellung umfasst auch Werke aus der eigenen Sammlung des Museums, wie zum Beispiel das kürzlich restaurierte Diorama des Fliegenmarktes, das einen Lebensmittelmarkt zeigt, der von 1699 bis zum 18. Jahrhundert in der Stadt stattfand.

Hungrig auf mehr? Hier ist eine lustige Aktivitätswarnung: Veröffentlichen Sie Ihren Lieblingssnack, Ihr Lieblingsgericht, Ihr Lieblingsrestaurant oder Ihre Lieblingsmahlzeit mit dem Hashtag #FoodinNYC, damit er auf dem Bildschirm in der Galerie des Museums angezeigt wird. Bis 30. September.

1220 Fifth Ave., 212-534-1672, mcny.org

Georgia O'Keeffe. Evening Star Nr. III, 1917. Aquarell auf Papier, auf Karton montiert. 8 7/8 x 11 7/8″ (22,7 x 30,4 cm). Das Museum of Modern Art, New York. Mr. and Mrs. Donald B. Straus Fund, 1958. © 2022 Georgia O'Keeffe Museum / Artists Rights Society (ARS), New York.

Die Ausstellung To See Takes Time im MoMA hat ihren Namen von einem Zitat von Georgia O'Keeffe selbst und konzentriert sich in diesem Frühjahr auf das weniger bekannte Werk der Künstlerin – sowie auf ihren Prozess. Zu den ausgestellten Werken gehören kleinere Zeichnungen in einer Sammlung von Arbeiten auf Papier von Kohle bis Aquarell, Bleistift bis Pastell sowie einige Gemälde von O'Keeffe.

O'Keeffe, die vor allem für ihre monumentalen Blumengemälde und ihre Landschaften im Südwesten bekannt ist, experimentierte während ihrer gesamten Karriere damit, dieselben Themen und Motive erneut aufzugreifen und zu überarbeiten. Ihr Schaffen zwischen 1915 und 1918 war außergewöhnlich und umfasste Akte und organische Landschaften sowie „Specials“ – ihre Bezeichnung für abstrakte Kohlezeichnungen.

Die Ausstellung bietet den Zuschauern die seltene Gelegenheit, O'Keeffes Entwicklung als Künstlerin zu verfolgen und ihren Prozess besser zu verstehen. Ihre Luftaufnahmen zum Beispiel, die größtenteils in den 1950er Jahren entstanden sind, fangen die wechselnde Perspektive eines Flugzeugs im Flug ein und werden für viele Besucher neu sein. Einige ihrer Arbeiten auf Papier führten zu großformatigen Gemälden; diese werden zueinander installiert.

Die kleineren Werke könnten für Bewunderer von O'Keeffes großformatigen, üppigen Blumen und Bildern, die an den Südwesten erinnern, durchaus eine Offenbarung sein. Die Ausstellung zeigt mehr als 120 Werke, die in vier Jahrzehnten entstanden sind, darunter mehrere aus der eigenen Sammlung des Museums. Die ausgestellten Werke bieten einen Kontext zum Werk der Künstlerin und zeigen den Betrachtern, wie sie im Laufe ihrer Karriere ihre Motive entwickelte, ihre Beobachtungen aufnahm und sie in den Bereich des Abstrakten verfeinerte.

Die Ausstellung ist ein Muss für Fans ihrer Arbeit – aber auch für diejenigen, die mehr über die Künstlerin, die oft als „Mutter des amerikanischen Modernismus“ bezeichnet wird, und ihren unauslöschlichen Platz in der amerikanischen Kunst erfahren möchten. Bis 12. August.

11 W. 53rd St., 212-708-9400, moma.org

1962 besuchte die in Amerika geborene Barbara Chase-Riboud das Atelier des Schweizer Bildhauers Alberto Giacometti in seinem Atelier in Montparnasse. Beide waren Expatriates, die in Paris lebten, und der Besuch würde eine Verbindung zwischen ihnen knüpfen, die ihre Kunst und ihre Herangehensweise an den kreativen Prozess prägte. Ihr letztes Treffen fand in Mailand statt, einige Jahre vor Giacomettis Tod.

Beide Künstler konzentrierten sich in ihren Skulpturen immer wieder auf die menschliche Form, Giacometti mit Ton, zunächst von Hand geformt und dann in Gips gegossen; Chase-Riboud (ebenfalls Dichterin und Romanautorin; ihre Memoiren wurden 2022 veröffentlicht) nutzte für ihre Bronzekunstwerke das Wachsausschmelzverfahren, das sie mit geknoteten und geflochtenen Fasern, Wolle und Seide kombinierte.

In der Ausstellung sind fünf Gipsskulpturen aus Giacomettis Femmes de Venise enthalten, die für die Biennale von Venedig 1956 angefertigt wurden; Diese Werke sind zum ersten Mal in den Vereinigten Staaten zu sehen. Außerdem ausgestellt: frühe Bronzeskulpturen, darunter das frühe figurative Stück „Das Paar“. Es werden auch Werke aus Chase-Ribouds 70-jähriger Karriere gezeigt, darunter das bekannte All That Rises Must Converge (1973), eine gewaltige, faszinierende Skulptur aus Bronze, Seide und Seidenfasern. Weitere Werke sind The Cape (1973); Sansibar (1974); und Stehende schwarze Frau von Venedig (1969-2020).

Im Kontext betrachtet zeigt die Ausstellung nicht nur die wiederholte Verwendung der menschlichen Figur, sondern auch andere gemeinsame Verbindungen, wie etwa die doppelte Faszination der Künstler für altägyptische Kunst und Architektur. Tatsächlich wandten sich beide Künstler der Vergangenheit zu, um ihre Arbeit zu prägen. Die Ausstellung umfasst weniger als 30 Werke, von denen jedes für sich genommen beeindruckend ist, vor allem aber im Zusammenspiel mit den anderen Werken. Das Ergebnis ist nicht nur eine Ausstellung, sondern ein Tanz, ein Gespräch.

Wie Chase-Riboud es ausdrückte: „…Skulptur als geschaffenes Objekt im Raum sollte bereichern, nicht reflektieren, und sie sollte schön sein.“ Schönheit ist ihre Funktion.“ Bis 9. Oktober.

11 W. 53rd St., 212-708-9400, moma.org

Ed Ruscha. Standard Station, Ten-Cent Western wird in zwei Hälften gerissen. 1964. Öl auf Leinwand, 65 × 121 1/2“ (165,1 × 308,6 cm). Privatsammlung, Fort Worth. © Edward Ruscha, Foto © Evie Marie Bishop, mit freundlicher Genehmigung des Modern Art Museum of Fort Worth.

Das Museum of Modern Art hat für nächsten Monat ED RUSCHA / NOW THEN angekündigt, die umfassendste Präsentation des Werks des Künstlers und seine erste Einzelausstellung im MoMA. Die Ausstellung läuft vom 10. September 2023 bis zum 6. Januar 2024. Die Ausstellung erstreckt sich über 65 Jahre und zeigt über 250 Werke, die von 1958 bis heute in Medien wie Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Film, Fotografie und Künstlerbüchern entstanden sind , und Installation.

11 W. 53rd St., 212-708-9400, moma.org

In Arbeit von Sarah Sze, 2022. © Sarah Sze. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Sarah Sze Studio.

Das Guggenheim Museum hat sein Gebäude in eine Reihe ortsspezifischer Installationen der renommierten Künstlerin Sarah Sze verwandelt. Räume einschließlich der Außenseite des Gebäudes, der sechsten Ebene der Rotunde und sogar der Galerie auf der angrenzenden Turmebene. Die Ausstellung nutzt das unglaubliche Design des Gebäudes, um eine Meditation darüber zu bieten, wie die Wahrnehmung von Zeit und Raum durch die ständige Bombardierung sowohl virtueller als auch realer Objekte und Bilder beeinflusst wird. Die Ausstellung beginnt außerhalb des Gebäudes, wo Bilder auf die Fassade projiziert werden; Eine Projektion spiegelt in Echtzeit den Mondzyklus im Verlauf der Ausstellung wider. Video, Skulptur, Zeichnung und sogar Ton spielen im Inneren des Gebäudes eine Rolle.

Das Museum zeigt außerdem zwei Werke aus seiner Sammlung, die zum ersten Mal in New York zu sehen sind: Szes erstes Kunstwerk mit Videoeinbindung, Untitled (Media Lab, Casino Luxembourg) 1998, das gefundene Kunst und Video miteinander verbindet; und Timekeeper, eine Multimedia-Installation mit einem Künstlertisch in der Mitte. Bis zum 5. September.

1071 Fifth Ave., 212-423-3500, guggenheim.org

Henry Jones Thaddäus. Rachel [Sassoon] Beer, 1887. Öl auf Leinwand; 52 × 37 Zoll (132,1 × 94 cm). Privatsammlung. Ehemals in der Sammlung Siegfried Sassoon.

Nach vier Generationen der jüdischen Sassoons-Familie rund um den Globus ist jetzt die Ausstellung „The Sassoons“ im Jüdischen Museum geöffnet.

Die Familie Sassoon war maßgeblich am Kunstsammeln sowie an bürgerschaftlichem Engagement und architektonischem Mäzenatentum beteiligt. Mehr als 140 Werke aus dem frühen 19. Jahrhundert bis zum Zweiten Weltkrieg bevölkern die Ausstellung, die Gemälde, illuminierte Manuskripte, seltene Judaica und reiche dekorative Kunst vereint – einige von Familienmitgliedern selbst, andere aus öffentlichen und privaten Sammlungen ausgeliehen. Nicht verpassen: jüdische Zeremonienkunst; wunderschön verzierte hebräische Manuskripte aus dem 12. Jahrhundert; und zarte chinesische Elfenbeinschnitzereien. Zu den Gemälden aus dem westlichen Kanon gehören Werke von Thomas Gainsborough, John Constable und Jean-Baptiste-Camille Corot. Wunderschöne Porträts von Familienmitgliedern von John Singer Sargent sind ebenfalls enthalten.

Die Ausstellung zeichnet den Weg von vier Generationen der Familie Sassoon durch ihre Sammelgeschichte nach und berührt dabei verschiedene Themen vom Kolonialismus bis zur Diskriminierung, von der Diaspora bis zum Krieg. Dabei zeichnet die Ausstellung nicht nur die Geschichte der Familie und ihre Interessen und Leidenschaften nach, sondern auch die großen Themen, die die Welt zur Zeit der Sammlung der Werke prägten – und auch heute noch prägen.

Hinweis: Begleitend zur Ausstellung wird eine umfangreiche Auswahl an Programmen für Erwachsene und Familien angeboten, von Zeichenworkshops bis hin zu Führungen durch die Ausstellung. Bis zum 13. August..container{}:root{--primary-color:orange;--secondary-color:pink;--book-font:'Roboto Condensed',-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, Helvetica, Arial, serifenlos, „Apple Color Emoji“, „Segoe UI Emoji“, „Segoe UI Symbol“;--border-radius:200px;--border-color:#ececec;--form-border :1px solid #ececec;--box-shadow:none}#RootRezWidget{// sollte die Schriftarten Ihrer Website übernehmen, kann aber bei Bedarf hier hinzugefügt werden. Beispielzeilen:}// Kommentar entfernen und ändern, um Titelausrichtung, Farben, Schriftarten usw. zu überschreiben.

1109 Fifth Ave., 212-423-3200, thejewishmuseum.org

Fred Tomaselli, Studie für den 2. Juni 2018, Mischtechnik auf Tafel, 24 × 24 × 1 5/16 Zoll (61 × 61 × 3,3 cm), The Jewish Museum, NY, Schenkung der Barnett and Annalee Newman Foundation . © Fred Tomaselli.

Die Werke in After „The Wild“: Zeitgenössische Kunst aus der Sammlung der Barnett and Annalee Newman Foundation sind Teil einer größeren Schenkung an das Jüdische Museum im Jahr 2018; Alle wurden von Empfängern des Barnett and Annalee Newman Foundation Award erstellt.

Die Stiftung wurde von Annalee Newman gegründet, nachdem ihr Ehemann Barnett Newman verstorben war. (Sie lernten sich kennen, als sie beide als Vertretungslehrer in New York arbeiteten.) Barnett Newman, vor allem als Künstler des abstrakten Expressionismus bekannt, war auch ein Mentor für jüngere Künstler; Die Preisträger wurden zum Teil deshalb ausgewählt, weil sie zwar unterschiedlich in Stil, Alter, Hintergrund und Ausbildung sind, aber sowohl Newmans Zielstrebigkeit als auch seinen grenzenlosen Tatendrang und Entdeckergeist teilen.

Der Titel der Ausstellung war von Newmans Gemälde „The Wild“ aus dem Jahr 1950 inspiriert, das einen orangefarbenen „Reißverschluss“ (seine Bezeichnung für eine dünne vertikale Linie) vor schmalen schwarzen Streifen zeigt. Sein Zweck bestand nach Newmans Ansicht darin, herauszufinden, ob etwas „Bescheidenes“ sich gegen etwas Größeres und Imposanteres behaupten konnte. (Das Werk selbst ist acht Fuß hoch und 1 ½ Zoll breit.) Newman wurde tatsächlich für Gemälde bekannt, die durch durch dünne vertikale Linien getrennte Farbfelder gekennzeichnet sind.

Newman war während eines Großteils seines Lebens als Einfluss auf Künstler wie Frank Stella und Donald Judd bekannt; Erst am Ende seines Lebens wurde er als eigenständiger Künstler bekannt.

Zu den in der Ausstellung vorgestellten Künstlern zählen Larry Bell, Luca Buvoli, Frank Owen, Elizabeth Turk und Jack Youngerman. Die Ausstellung bietet die Möglichkeit, Newman als Künstler, Influencer, Mentor und Urheber zu sehen und zu erkennen, dass Spuren seiner Arbeit in einem Farbtupfer, einem Strich einer Linie oder dem Raumstreifen eines Gemäldes zu sehen sind Arbeiten anderer Künstler. Es ist eine großartige Gelegenheit, seine Abstammung durch verschiedene Künstler zu verfolgen und seiner Aussage zuzustimmen: „Ein Maler ist ein Choreograf des Raums.“ Bis zum 1. Oktober.

1109 Fifth Ave., 212-423-3200, thejewishmuseum.org

Der vom Aussterben bedrohte Schmetterling Gonepteryx maderensis, auch Madeira-Zitronenfalter genannt, ernährt sich als Raupe von nur einer Baumart. © Levon Biss.

Wenn Sie das American Museum of Natural History besuchen, kommen Sie vielleicht nie aus der Dinosaurierausstellung oder vielleicht dem Planetarium heraus. Und das ist verständlich, aber auch die Sonderausstellungen sollten Sie sich nicht entgehen lassen. Ein typisches Beispiel: Ausgestorben und gefährdet: Insekten in Gefahr, das anhand großformatiger Fotografien 40 wichtige, aber gefährdete Insektenarten zeigt.

Die Exemplare stammen aus der eigenen Forschungssammlung des Museums; Einige der Fotos sind bis zu 4,5 x 8 Fuß groß. (Die Sammlungen des Museums umfassen 34 Millionen Artefakte, davon fast 20 Millionen Arthropoden – Insekten, Krebstiere und Spinnentiere aus aller Welt.)

Der Fotograf Levon Biss zeigte anhand seiner Makrofotografie, wie stark diese Insekten zurückgehen und wie sehr sie benötigt werden, um unsere Ökosysteme gesund zu halten. Jedes Foto in der Ausstellung wurde aus bis zu 10.000 Einzelbildern mit Objektiven erstellt, die mikroskopische Details erfassen können; Die Erstellung jedes Fotos dauerte bis zu drei Wochen. Auffallend ist der Kontrast zwischen der winzigen Größe der Insekten und den riesigen Fotografien, die oft von seltsamer Schönheit wiedergegeben werden. Der britische Fotograf bemerkt: „Wir sollten sie nicht ignorieren, nur weil sie schwer zu erkennen sind.“

Die Ausstellung umfasst sowohl bekannte als auch, zumindest für uns, unbekannte Insekten (und mit tollen Namen): die Blaue Calamintha-Biene; die blumenliebende Fliege aus dem San Joaquin Valley; der Neunfleckige Marienkäfer; die hawaiianische Hammerkopffruchtfliege. Einige der Exemplare waren so zerbrechlich, dass sie vom Museumspersonal in das Atelier des Fotografen gebracht werden mussten; andere sind so selten, dass für den Versand nach England eine staatliche Genehmigung erforderlich war.

Auch wenn die Fotos an sich schon beeindruckend sind, wird den Besuchern hoffentlich klar, wie wichtig die Insekten für das Ökosystem der Welt sind – und dass ihre Bedeutung zwar klein, aber übergroß ist.

200 Central Park West, 212-769-5100, amnh.org

Lauren Halsey (Amerikanerin, geb. 1987) Installationsansicht von The Roof Garden Commission: Lauren Halsey, die Ostseite der Hieroglyphen-Prototyparchitektur im Süden von Los Angeles (I), 2022 © Lauren Halsey. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers; David Kordansky Gallery, Los Angeles/New York Bildnachweis: The Metropolitan Museum of Art, Foto von Hyla Skopitz.

Eine der mit größter Spannung erwarteten Ausstellungen jedes Jahr ist die ortsspezifische Dachgarteninstallation im Metropolitan Museum, die jedes Frühjahr erstmals gezeigt wird.

In diesem Jahr wird die Ausstellung von Lauren Halsey gestaltet, einer Künstlerin, die für ihren Einsatz von Architektur bekannt ist, um die Realität städtischer Viertel an Orten wie South Central Los Angeles zu zeigen. Ihre Arbeiten wurden im Studio Museum in Harlem sowie im Museum of Contemporary Art (MoCA) in LA gezeigt. Halsey ist der zehnte Empfänger des Roof Garden-Auftrags. (Ihre Installation an der Met verzögerte sich aufgrund logistischer Probleme um ein Jahr.)

Tatsächlich wird die Ausstellung des Met aus einer architektonischen Struktur bestehen, die vom Viertel South Central Los Angeles inspiriert ist, in dem Halsey aufgewachsen ist. Besucher werden ermutigt, die Ausstellung zu erkunden und mit ihr zu interagieren. seine Einflüsse werden so vielfältig sein wie die utopische Architektur der 1960er Jahre; altägyptische Symbolik; und visueller Ausdruck wie Tagging, um zu untersuchen, wie Menschen öffentliche Orte zu ihren eigenen machen.

Die Installation umfasst 750 Betonfliesen; Eine vierwandige Struktur wird 22 Fuß in die Luft ragen und vom Central Park aus sichtbar sein (ganz zu schweigen von den oberen Stockwerken vieler Gebäude der Fifth Avenue). Einer der Vorzüge der Roof Garden-Installationen besteht darin, sie immer im Einklang mit dem Park und den umliegenden Gebäuden zu sehen. Halseys Werk wird auf einem 2.500 Quadratmeter großen Boden platziert, umgeben von Fliesen mit einem griechischen Schlüsselsymbol. Vier Sphinxe mit den Gesichtern von Angehörigen und Familienmitgliedern werden das Bauwerk bewachen, während vier Säulen auch mit Porträts von Freunden und Familienmitgliedern gekrönt sein werden; Sie sind vom Hathor-Tempel in Dendera, Ägypten, inspiriert.

Halseys Installation wird über die Bedeutung von sozialem Aktivismus und bürgerschaftlichen Räumen sowie über Ideen von gemeinschaftlichem Engagement aus der Perspektive der Architektur nachdenken. Es ist eine Installation, die genau betrachtet werden muss – und gleichzeitig einen Schritt zurück im wörtlichen und übertragenen Sinn bedeutet. Bis 22. Oktober.

Das Metropolitan Museum of Art, The Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden, 200 Central Park West, 212-769-5100, amnh.org

Der Künstler Josh Kline, der für die Schaffung immersiver Installationen bekannt ist, die Video, Design, Skulptur und Fotografie integrieren, erhält jetzt die erste Museumsumfrage seiner Arbeiten in den Vereinigten Staaten. (Seine Arbeiten wurden bereits in der Triennale des New Museum, entlang der High Line und in mehreren Whitney-Ausstellungen gezeigt, darunter der Whiney Biennale 2019.)

Klines Arbeit ist dafür bekannt, zu hinterfragen, wie neue Technologien das Leben der Menschen im 21. Jahrhundert verändern. Er ist auch dafür bekannt, genau die Technologien zu nutzen – darunter Bildmanipulation, 3D-Druck, Digitalisierung sowie kommerzielle und politische Werbung –, die er in seiner Kunst untersucht. Seine bekanntesten Videos nutzen frühe Deep-Fake-Software, um über die Bedeutung der Wahrheit in einer Welt nachzudenken, in der die Wahrheit nicht immer im Vordergrund von Politik und Kultur steht. Kline untersucht auch, wie sich soziale und politische Probleme vom Klimawandel bis zur Schwächung der Demokratie tiefgreifend auf die Arbeitskräfte in diesem Land auswirken. Ein Großteil der Ausstellung konzentriert sich auf Arbeit und Unterricht.

Tatsächlich ist der Klimawandel in der Ausstellung, die das letzte Jahrzehnt der Karriere des Künstlers umfasst und auch neue Installationen umfasst, stark vertreten. Neue „Science-Fiction“-Werke werden über die Auswirkungen des Klimawandels und die wesentlichen Arbeitnehmer spekulieren, die mit den Auswirkungen zu kämpfen haben.

Das Werk ist mehr als nur eine Ausstellung, es ist eine Warnung vor der potenziell gefährlichen Zukunft, mit der die Menschen konfrontiert sind – und ein Aufruf, aufmerksam zu sein und Maßnahmen zu ergreifen. „Josh Kline: Project for a New American Century“ wird bis zum 13. August im Whitney Museum of American Art zu sehen sein.

99 Gansevoort St., 212-570-3600, whitney.org

Installationsansicht von Inheritance (Whitney Museum of American Art, New York, 28. Juni 2023–Februar 2024.). Von links nach rechts: Andrea Carlson, Red Exit, 2020; Mary Beth Edelson, Shell Venus, 1974-75; Mary Beth Edelson, Rote Sophia, 1974-75; Mary Beth Edelson, Louise, 1974-75. Foto von Ron Amstutz.

Was ist eine Erbschaft? Die gleichnamige Ausstellung im Whitney Museum erkundet die vielen verschiedenen Bedeutungen des Wortes und lässt sich dabei vom Film von Ephraim Asili aus dem Jahr 2020 inspirieren.

43 Künstler, darunter Asili, Kara Walker, Sherrie Levine und Kambui Olujimi, sind in der Ausstellung vertreten, die etwa 60 selten gesehene Werke sowie neue Bestände umfasst. Skulpturen, Videos, Gemälde, Medieninstallationen und Fotos aus den 1970er-Jahren befassen sich mit der Idee des Vermächtnisses – durch familiäre, historische und sogar ästhetische Aspekte. Zu den Werken gehören Mary Kellys Film Antepartum (1973) und Sadie Barnettes Installation Family Tree II (2022).

Die Ausstellung beginnt mit Kunstwerken, die den Zyklus von der Geburt bis zum Tod untersuchen. In den Galerien werden thematisch verschiedene Abstammungslinien untersucht, darunter auch die Art und Weise, wie Künstler die Kunstgeschichte aufgreifen und sie in ihren Werken neu gestalten. Andere Arten der Vererbung umfassen historische Vererbung und sogar Vererbung aus Erinnerungen der Vorfahren. Die behandelten Themen sind breit gefächert und ehrgeizig: Covid, afrikanische religiöse Traditionen, die menschliche Lebensspanne und Quellen künstlerischer Inspiration. Die Themen Kolonialismus und afrikanische Versklavung werden auch anhand von Kunstwerken wie Kevin Beasleys Plattenskulptur The Road (2019) und United States of Attica, einer Lithografie von Faith Ringgold aus dem Jahr 1971, untersucht.

Die Ausstellung ist bewegend und weitläufig und behandelt eine Vielzahl von Fragen zum Erbe – und seinem eigenen Erbe.

Die eigentlichen Fragen, die die Ausstellung stellt: Wie sind wir hierher gekommen? Und genauso wichtig: Wohin gehen wir? Bis Februar 2024.

99 Gansevoort St., 212-570-3600, whitney.org

Dorothy Liebes Studio, New York City, fotografiert für House Beautiful, Oktober 1966; Dorothy Liebes Papers, Archives of American Art, Smithsonian Institution.

Als eine der einflussreichsten Designerinnen des 20. Jahrhunderts wird Dorothy Liebes zugeschrieben, sowohl handgefertigte Gegenstände als auch schillernde Farbtupfer in die moderne Inneneinrichtung eingebracht zu haben. Ihre Ästhetik war tatsächlich so beliebt, dass sie einen eigenen Namen und ein eigenes Subgenre hat: Der „Liebes-Look“ bedeutete auffällige Farben, satte Texturen und manchmal einen Hauch von Metallic. Ihre Zusammenarbeit mit Architekten wie Frank Lloyd Wright und Designern wie Pauline Trigere trug dazu bei, eine amerikanische Ästhetik umzusetzen, die in allem sichtbar ist, vom Industriedesign über die Inneneinrichtung von Wohnräumen bis hin zum Film. Die Arbeiten von Liebes waren im Speisesaal der Delegierten der Vereinten Nationen sowie im Shangri La, dem Haus von Doris Duke, der Erbin und Philanthropin, in Honolulu zu sehen. Ein wichtiger Teil der Arbeit von Liebes bestand darin, dass ihre Stoffe erschwinglich waren, was bedeutete, dass sie für mehr Menschen zugänglicher waren und somit eine große Reichweite hatten.

Die Ausstellung untersucht nicht nur die Arbeit der Designerin, sondern auch die Details ihrer Karriere sowie die volle Wirkung ihrer Beiträge insgesamt. Gezeigt werden mehr als 125 Werke, darunter Textilien, Muster, Mode, Möbel, Fotos und Dokumente.

„A Dark, A Light“ umfasst fünf separate Abschnitte, die von „The Modern Interior“ mit handgewebten Stoffen von Liebes bis hin zu „The Liebes Look“ reichen, in dem ihre Fähigkeit zur Schaffung dramatischer öffentlicher Räume gezeigt wird – und das mit kleinem Budget. Dazu gehören die Der First-Class-Beobachtungsraum auf der SS United States sowie das Flaggschiff 747 der American Airlines. Auch Hotelinterieurs wie der „Persian Room“ im Plaza Hotel und der Marco Polo Club im Waldorf Astoria werden referenziert. Der letzte Abschnitt „The Idea Factory „Entnimmt Beispiele aus der ständigen Sammlung des Museums, um die Bereitschaft des Designers zu demonstrieren, mit neuen Farbkombinationen und Materialien zu experimentieren.

Und falls Sie die Technik von Liebes selbst ausprobieren möchten: Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf ihr „Rezept“ für die Schaffung einer Farbszene, sei es in der Mode oder zu Hause: „Ein Dunkles, ein Helles, ein Helles.“ Bis zum 4. Februar 2024.

2 E. 91st St., 212-849-8400, cooperhewitt.org

Paul Huet (1803–1869), Studie zu „Wald von Fontainebleau: Jäger“, ca. 1866. Schwarze Kreide und braune und graue Lavierung auf graugrünem Velin, gehöht mit Gouache, 11 1/4 x 18 Zoll (285 x 440 mm). Schenkung von Karen B. Cohen, 2022.339.

Allein der Satz „Into the woods“ weckt Visionen von dunklen Wäldern und uralten Bäumen, einer urzeitlichen Umgebung, in der die Natur herrscht. Die Ausstellung „Into the Woods: French Drawings and Photographs from the Karen B. Cohen Gift“ zeigt sowohl Zeichnungen und Fotos aus den Beständen der renommierten Sammlerin Karen B. Cohen als auch Kunstwerke aus der eigenen Sammlung des Museums.

Mit mehr als 50 Kunstwerken auf Papier von französischen Künstlern des 19. Jahrhunderts erkundet die Ausstellung die ländliche Landschaft und die Rolle, die Künstler bei der Untersuchung der Beziehung zwischen Mensch und Natur spielten.

Die Beziehung der Künstler selbst zur Natur wurde mit der Erfindung tragbarer Geräte und der aufkeimenden Rolle der Eisenbahn radikal neu definiert. Die künstlerische Darstellung der Natur umfasste zunehmend auch neue Medien, von der Kohle bis zur Fotografie. Und das Thema selbst veränderte sich, mit einem neuen Schwerpunkt auf der ländlichen Arbeiterklasse – einschließlich Frauen – und einer Abkehr von der Romantisierung der Natur.

Die Ausstellung umfasst Fotografien von Karl Bodner, dem schweizerisch-französischen Lithografen, sowie Kohlestudien von Paul Heut, darunter die stimmungsvolle Studie zu Forest of Fontainebleau: Hunters, die mit schwarzer Kreide und brauner und grauer Lasur eine wilde Sandlandschaft aus Bäumen schafft knorrige Äste, die die Jäger unter ihnen winzig erscheinen ließen.

Die neue Betonung der Natur hatte auch einen unerwarteten Vorteil: eine Wertschätzung für sie, die Künstler nicht nur dazu veranlasste, die Natur zu genießen, sondern sich auch für deren Erhaltung einzusetzen – 1861 wurde ein Teil des Fontainebleau-Waldes zum Naturschutzgebiet erklärt.

Die Beziehung des Menschen zur Natur ist Stoff, aus dem sowohl Märchen als auch die nackte Realität stammen. Er hat die menschliche Fantasie beflügelt und war im Laufe der Zeit die Grundlage für Geschichten und Kunstwerke. Die Ausstellung bietet einen faszinierenden Einblick in die Veränderung dieser Beziehung und betont ihre neue Rolle – wobei ab und zu ein Teil des Märchens zum Vorschein kommt. Bis 22. Oktober.

225 Madison Ave., 212-685-0008, themorgan.org

Bridget Riley (geb. 1931), 24. Oktober Revision B, 1986. Sammlung des Künstlers. © Bridget Riley 2023. Alle Rechte vorbehalten.

Die britische Künstlerin Bridget Riley, eine der renommiertesten abstrakten Künstlerinnen ihrer Generation, ist jetzt Gegenstand einer Ausstellung in der Morgan Library & Museum – die erste, die sich seit mehr als 50 Jahren ausschließlich ihren Zeichnungen widmet. Es bietet eine unvergleichliche Erfahrung, ihre Kunst und ihren Prozess zu verstehen; die Gelegenheit, einen Einblick in ihre Atelierpraxis zu bekommen.

Zu sehen sind mehr als 75 Studien aus der Sammlung des Künstlers; Alle wurden zwischen den 1940er und den 2000er Jahren geschaffen. Hier haben Sie die Gelegenheit, die figurativen und landschaftlichen Zeichnungen zu sehen, die während ihrer Studienzeit entstanden sind und sich auf die Natur und die menschliche Form konzentrieren. die Schwarz-Weiß-Studien für ihr bekanntestes Werk in den 1960er Jahren, als sie mit der Op-Art-Bewegung (einem Kunststil, der optische Täuschungen nutzt) in Verbindung gebracht wurde; und die lebendigen Farbkompositionen ab den 1960er Jahren. Die Werkzeuge? Papier, Tinte, Bleistift, Gouache, alles im Dienste der Erforschung und Gestaltung von Arbeiten auf Papier. Riley ist vor allem für ihre auffälligen geometrischen Kreationen bekannt; In den späten 1960er Jahren verlagerte sich ihr Fokus von der Verwendung von Weiß-, Schwarz- und Grautönen hin zur Verwendung oft auffälliger Farben in ihren typischen Wellen und Linien. Voller Leben scheinen sie sich vor den Augen des Betrachters zu verändern und zu tanzen und dabei neue Formen und Ausdrucksformen anzunehmen. Bilder scheinen sich buchstäblich zu bewegen oder zu vibrieren und scheinen oft versteckte Bilder innerhalb des Kunstwerks zu enthalten.

Der Betrachter kann in Rileys Werk Einflüsse des Pointillismus und anderer Kunstrichtungen erkennen, aber es wird auch deutlich, wie sie das Medium zu ihrem eigenen machte – und wie sie mit 92 Jahren keine Anzeichen einer Verlangsamung zeigt. Bis 8. Oktober.

225 Madison Ave., 212-685-0008, themorgan.org

Der Frühling bringt eine Fülle neuer Museumsausstellungen mit sich – und auch die Gelegenheit, einige nachzuholen, die Sie vielleicht verpasst haben. Ein typisches Beispiel: Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art, zu sehen bis Ende November im Brooklyn Museum.

Mit etwa 90 Werken aus der eigenen Sammlung des Museums aus dem frühen 19. und 20. Jahrhundert konzentriert sich die Ausstellung auf Künstler, die in Europa oder seinen Kolonien in einer Zeit enormer gesellschaftlicher Veränderungen geboren wurden, einschließlich der Themen und Techniken der Künstler. In dieser Zeit wandten sich die Künstler von der eher „traditionellen“ Darstellung ab und konzentrierten sich mehr auf Szenen aus dem Alltagsleben.

In der Ausstellung sind Werke von Claude Monet, Henri Matisse, Berthe Morisot, Pablo Picasso, Gustave Courbet und anderen zu sehen, und die Besucher werden ermutigt, sich mit Fragen wie diesen auseinanderzusetzen: Was ist real und was wird in Werken vorgestellt, die Ansichten über Geschlecht widerspiegeln? Klasse, Arbeit und andere Kategorien? Wer erstellt diese Referenzrahmen?

Interessanterweise werden die Werke nicht chronologisch präsentiert, was dem Betrachter die Möglichkeit bietet, sie mit einem neuen Blick zu betrachten und beispielsweise über die unterschiedlichen Ansichten zu Themen wie Geschlecht und Klasse nachzudenken, die angeboten werden.

Diese besonderen Kunstwerke waren seit acht Jahren nicht mehr gemeinsam zu sehen und bieten die Gelegenheit, über die Geschichten nachzudenken, die die Werke erzählen, und Verbindungen sowohl zwischen diesen Kunstwerken selbst als auch mit anderen Werken in der Sammlung des Museums herzustellen. Sie zwingen den Betrachter, die Vorstellung des traditionellen europäischen Kanons, der sowohl imaginär als auch real ist, noch einmal zu hinterfragen.

Abgesehen von ihren philosophischen Grundlagen bieten die Werke die Möglichkeit, in den üppigen, farbenfrohen Farben einiger herrlicher Gemälde zu schwelgen, alte Favoriten erneut zu besuchen und vielleicht einige neue zu entdecken und mit einem Gefühl des Staunens – und Entdeckens – nach Hause zu gehen. Bis 19. November.

200 Eastern Parkway, 718-638-5000, brooklynmuseum.org

Installationsansicht, Tracey Rose: Shooting Down Babylon, Queens Museum (23. April 2023 – 10. September 2023). Foto mit freundlicher Genehmigung des Queens Museum, Bildnachweis: Hai Zhang.

Diesen Sommer bietet das Queens Museum bis zum 10. September zwei Ausstellungen, die sich unbeirrt mit Themen befassen, die von Rassismus bis hin zu Geschichten über die Menschheit reichen.

Tracey Rose: Shooting Down Babylon umfasst eine Reihe von Medien, von Film über Fotografie, Skulptur bis Malerei, von den 1990er Jahren bis zur Gegenwart; Die Ausstellung reiste vom Zeitz Museum of Contemporary Art Africa nach New York. In seinen frühen Werken beschäftigte sich Rose oft mit engen Identitätsthemen, während sich die spätere Kunst oft auf Gewalt und, in jüngerer Zeit, auf Heilung konzentriert. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die Betonung sowohl des Körpers – oft des eigenen Körpers des Künstlers – als auch der Performativität – der Macht der Sprache, Veränderungen in der Welt herbeizuführen. Der in Südafrika geborene Künstler setzt sich mit Themen wie Kolonialismus und Rassismus auseinander und zwingt den Betrachter dazu, sich mit Themen – und Wahrheiten – auseinanderzusetzen und diese zu untersuchen, die unangenehm und beunruhigend sein können.

Auch der Ton spielt in der Ausstellung eine wichtige Rolle, wie in Babylon X, der Videoinstallation, die sich mit dem bleibenden Erbe des Kolonialismus und seinen anhaltenden Auswirkungen auf die Gesellschaft befasst.

Ebenfalls bis zum 10. September zu sehen ist Aliza Nisenbaum: Queens, Lido y Querido. Voller lebendiger Farben, die von der Leinwand springen, zeigt Nisenbaums Werk menschliche Geschichten, einzeln oder in Gruppen, aber immer erfüllt von Menschlichkeit. Diese Ausstellung konzentriert sich auf die Beziehung des Künstlers zu den Menschen im Museum und der umliegenden Nachbarschaft. (Der Titel der Ausstellung stammt aus dem Lied „Mexico, Lindo y Querido“ – „Mexiko, schön und geliebt“.) Die Arbeiten konzentrieren sich auf die Beziehung des Künstlers zu den Dargestellten und ihrer Umgebung, wobei ein besonderes Augenmerk darauf gelegt wird, was die Menschen wertschätzen. Nisenbaums Engagement Mit dem Queens Museum begann sie, als sie sich ehrenamtlich für ein Projekt engagierte, das darauf abzielte, die größtenteils spanischsprachige Gemeinschaft der Region einzubeziehen. Eine von ihr geleitete Klasse führte zu einer Reihe von Porträts der Schüler und ihrer Familien.

Die Ausstellung umfasst ein Porträt von Mitarbeitern der Delta Airline und der Hafenbehörde, das für das neue Terminal C am Flughafen LaGuardia in Auftrag gegeben wurde, sowie Porträts von Museumsmitarbeitern und Studenten des Künstlers.

Zusammen bilden die Exponate Darstellungen von Kampf und Heilung; gesellschaftliche Themen und intime Porträts mit der übergreifenden Botschaft der Aufgabe der Kunst, aufzuzeichnen, zu beobachten, die Auseinandersetzung zu ermöglichen – und sich mit der Welt und den Menschen darin auseinanderzusetzen. Beide Ausstellungen sind bis zum 10. September zu sehen.

New York City Building, Flushing Meadows, Corona Park, 718-592-9700, queensmuseum.org

Shakespeares First Folio feiert dieses Jahr sein 400-jähriges Jubiläum und enthält 36 Stücke des Barden. Das First Folio galt lange Zeit als eines der wichtigsten Bücher der englischen Literatur und wurde erstmals von John Heminge und Richard Condell, Freunden Shakespeares und Schauspielern, zusammengestellt. Aller Wahrscheinlichkeit nach handelt es sich bei den Stücken um Reproduktionen früherer Ausgaben, Versionen von Drehbüchern und Shakespeares eigener Entwürfe. Stücke wie „Macbeth“ und „Der Sturm“ wären ohne das Erste Folio wahrscheinlich verloren gegangen.

Zu Ehren des 400-jährigen Jubiläums sind bis zum 1. Oktober 2023 alle sechs Exemplare der Bibliothek ausgestellt. (Ein Exemplar ist seit September 2021 zu sehen.) Es wird angenommen, dass zwischen 700 und 750 Exemplare des First Folio gedruckt wurden Anfang des 17. Jahrhunderts; Es sind nur noch 235 Stück übrig, alle auf hochwertigem Papier gedruckt und aufgrund des Druckverfahrens jedes einzelne ein Unikat. Zu den Folios der Bibliothek gehören Kopien aus den Gründungssammlungen, die von William Astor, James Lenox und Samuel J. Tilden gestiftet wurden. Kleine Unterschiede, wie zum Beispiel eine zusätzliche Titelseite in einer Lenox-Kopie, können festgestellt werden. Es ist ein außergewöhnliches und seltsam bewegendes Erlebnis, die Werke des berühmtesten englischen Dramatikers der Welt in diesem Format direkt vor Ihnen zu betrachten.

Zusätzlich zu den Stücken selbst enthalten die Folios ein Porträt von Shakespeare von Martin Droeshout dem Jüngeren sowie ein Gedicht von Ben Johnson, der lange Zeit als Rivale des Barden galt. Außerdem ist eine Liste der 26 Schauspieler vorhanden, die in den Stücken der Lord Chamberlain's Men, aus der später die King's Men-Theatergruppe auftrat, auftraten; Dazu gehören sowohl Shakespeare als auch Richard Burbage, der Schauspieler, der viele tragische Hauptrollen ins Leben gerufen hat. Das Inhaltsverzeichnis zeigt erstmals, wie die Stücke nach Genres kategorisiert wurden.

Die Ausstellung umfasst auch eine Radierung von London aus dem 17. Jahrhundert, die die Orte zeigt, an denen Shakespeares Stücke aufgeführt wurden, sowie die Orte, an denen die Bücher gedruckt und verkauft wurden.

Außerdem werden Manuskripte, Kunstwerke, Briefe und mehr aus einem Zeitraum von 4.000 Jahren – von der Einführung des geschriebenen Wortes bis zur Gegenwart – ausgestellt.

Alle sind es wert, beachtet zu werden, aber da die komplette Folio-Sammlung nur bis zum 1. Oktober zu sehen ist, ist das Stück genau das Richtige.

476 Fifth Ave., 917-275-6975, nypl.org/spotlight/treasures

Daniel Lind-Ramos. El Viejo Griot (Der ältere Geschichtenerzähler) (Ausschnitt). 2022–2023. Foto von Steven Paneccasio.

Der puerto-ricanische Künstler Daniel Lind-Ramos nutzt gefundene und ihm geschenkte Gegenstände, um Videoinstallationen und riesige Skulpturen zu schaffen. Inspiriert von seinem Geburtsort Loiza in Puerto Rico greift Lind-Ramos auf die Kultur seiner Heimatstadt zurück, insbesondere auf die Kultur rund um Fischerei, Kochen und Landwirtschaft (sowie Maskerade). Themen im Zusammenhang mit der Pandemie, dem Hurrikan Maria (2017) und den Folgen, die die Umwelt verursacht hat, werden ebenfalls behandelt.

Der Titel der Ausstellung, der übersetzt „Der ältere Geschichtenerzähler – Eine Geschichte von uns allen“ bedeutet, ist einer Figur aus den jährlichen Fiestas de Santiago Apostol der Stadt entnommen, die für die Interpretation der Vergangenheit und Gegenwart der Stadt verantwortlich ist.

Viele der Werke beziehen sich direkt auf Elemente des Sturms – wie Wind und Blitz –, beziehen sich aber auch auf die Zusammenarbeit der Gemeinschaften nach dem Sturm.

Die ausgestellten Werke sind oft mehrdimensional und taktil und integrieren unterschiedliche Materialien, Formen und Farben. Sie stellen die bisher größte Ausstellung des Werks des Künstlers dar und kombinieren Objekte aus dem persönlichen, gemeinschaftlichen und regionalen Bereich, die sowohl zur Dekoration als auch für die Arbeit verwendet werden. Dieses lebendige Angebot umfasst mehr als 10 großformatige Werke, von denen einige nie gezeigt wurden und einige im letzten Jahr entstanden sind; Sie enthalten sowohl künstliche als auch organische Materialien. In der Ausstellung sind auch zwei Videoarbeiten enthalten.

Verweilen Sie bei dem Werk, das Besucher beim Betreten der Ausstellung begrüßt: El Viejo Griot (2022-23). Der Bug und die Ruder eines kleinen Bootes segeln auf den Betrachter zu, über ein Meer aus FEMA-Planen. Die Bedeutung ist sowohl intim als auch global; kraftvoll und seltsam vertraut zugleich. Die Säcke tragen wichtige Daten, von 1511 für den Taino-Aufstand gegen die Spanier bis 1797 für die Schlacht von San Juan. An Bord des Schiffes befinden sich Conga-Trommeln, Eimer und sogar ein Signalhorn. Die Mischung aus Königlichem und Skurrilem besticht durch ihre Einfachheit und Universalität – ähnlich wie die Ausstellung selbst. Bis zum 4. September.

22-25 Jackson Ave., Long Island City, 718-784-2086, momaps1.org

Kahlil Gibran, The Divine World, 1923. Kohle, 11 x 8½ Zoll (28 x 21,6 cm). Sammlung des Gibran Khalil Gibran Museum, mit freundlicher Genehmigung des Gibran National Committee.

Passend zum 100. Jahrestag von Kahlil Gibrans „Der Prophet“ zeigt das Drawing Center bis zum 3. September das Werk des Dichters mit „A Greater Beauty: The Drawings of Kahlil Gibran“. Der Prophet umfasst 26 Prosagedichte zu Themen wie Liebe, Freiheit, Gut und Böse, Religion und Tod. Es wurde ursprünglich 1923 veröffentlicht und in mehr als 100 Sprachen übersetzt; es war nie vergriffen. Gibrans Schriften waren dafür bekannt, mit den strengen Konventionen der arabischen Poesie und Prosa zu brechen; Seine Werke enthielten Elemente der Jungschen Psychologie, des Christentums, des Buddhismus und des Islam – und waren eine Offenbarung für die arabischsprachige Bevölkerung.

Die Ausstellung bietet eine Auswahl seiner Zeichnungen und Skizzen sowie Notizbücher, Korrespondenzen, Zeitschriftenillustrationen, Erstausgaben, Manuskriptseiten und Essays. Zusammen dienen sie als Fenster sowohl in seinen Arbeitsprozess als auch in seine Ästhetik.

Naudline Pierre, Don't Be Afraid, 2022. Acryl, Tinte und Kreidepastell auf Papier, 15 x 11 Zoll (38,1 x 27,9 cm). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers © Naudline Pierre und James Cohan, New York. Foto von Paul Takeuchi.

Gleichzeitige Eröffnung: Naudline Pierre: This Is Not All There Is. Die Ausstellung stellt reiche Fraktionswelten aus einer selbst geschaffenen Mythologie dar und konzentriert sich auf geschichtete Waschzeichnungen und üppige Gemälde. Pierre, dessen Vater ein haitianischer Pfarrer war, schafft Werke, die religiöse Ikonographie von Altarbildern bis hin zu kirchlicher Architektur einbeziehen. Geflügelte Kreaturen und feurige Wesen nehmen vor Hintergründen Gestalt an, die an Welten unter Wasser und am Himmel mit Schichten und Explosionen von Farbe und Tiefe erinnern.

Die beiden Exponate bilden ein faszinierendes Gegenstück und berühren Themen von Liebe bis Konflikt, von Verlust bis Erlösung, angetrieben von zwei unterschiedlichen Weltanschauungen, aber verbunden durch die Leidenschaft, diese Ideen zu brillantem, berauschendem Leben zu erwecken. Bis zum 3. September.

35 Wooster St., 212-219-2166, Drawingcenter.org

Carl Klewicke (1835–1913), Original-Design-Quilt, Corning, New York, ca. 1907. Zusammengesetzte Seide, Faille, Taft und Satin, 60 x 72 1/2 Zoll. American Folk Art Museum, New York, Museumskauf, 1.1.2012.

Anhand von 35 Quilts und verwandten Kunstwerken erkundet „What That Quilt Knows About Me“ die persönliche, emotionale Kraft des Quiltens. Sehen Sie einige unerwartete Lebensgeschichten anhand von Werken aus dem 19. bis 21. Jahrhundert. Bis 29. Oktober.

2 Lincoln Sq., Columbus Avenue in der West 66th Street, 212-595-9533, folkartmuseum.org

Das Jüngste Gericht; Anhänger von Hieronymus Bosch, niederländisch, ca. 1450–1516; Ende des 16. Jahrhunderts; Öl auf Holz, 29 7/8 × 37 3/4 Zoll (75,9 × 95,9 cm); Philadelphia Museum of Art; John G. Johnson-Sammlung; 1917, Kat.-Nr. 386

Die Kunst des tibetischen Buddhismus und des Christentums wird als Linse genutzt, um die Vorstellungen von Tod und Leben nach dem Tod in „Death Is Not the End“ zu untersuchen, das jetzt im Rubin Museum zu sehen ist.

Die Ausstellung umfasst Ölgemälde, Knochenornamente, Drucke, Skulpturen, Ritualgegenstände und mehr, also insgesamt 58 Objekte aus 12 Jahrhunderten. „Der Tod ist nicht das Ende“ umfasst Werke aus der eigenen Sammlung des Museums sowie Leihgaben von Institutionen wie dem Metropolitan Museum of Art, dem Museum of Fine Arts, Boston und The Morgan Library & Museum.

Die Ausstellung ist um drei Themen herum organisiert: „The Human Condition“, ein Blick auf ein gemeinsames Verständnis unserer Sterblichkeit; Zustände dazwischen, die Konzepte von Limbo, Fegefeuer und Bardo (der Existenzzustand zwischen zwei Leben auf der Erde); und (Nach-)Leben, die eine Auferstehung, einen Himmel und eine Transformation untersuchen.

Zu den Objekten aus der eigenen Sammlung des Museums gehören das tibetische Gemälde „Rad des Lebens“ aus dem 19. Jahrhundert, das Themen wie die Unvermeidlichkeit von Tod und Wiedergeburt veranschaulicht, und „Lords of the Charnel Ground“, eine bemalte Terrakottaskulptur tanzender Skelette.

In ihrer Gesamtheit laden die Kunstwerke dazu ein, über die Sehnsucht des Menschen nach dem Tod und die Bewältigung der begrenzten Lebensspanne nachzudenken. Die Ausstellung ist Teil des ganzjährigen Schwerpunkts „Life After“ des Museums, der sich mit Momenten des Wandels beschäftigt, die uns ins Unbekannte führen.

Die eindrucksvolle Ausstellung untersucht Themen, die sowohl unbequem als auch universell sind, und ermutigt den Betrachter, sich mit Ideen auseinanderzusetzen, die sowohl beängstigend als auch faszinierend und vor allem menschlich sein können. Bis 14. Januar.

150 W. 17th St., 212-620-5000, rubinmuseum.org

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